El proyecto se dio a conocer dentro de la escena emergente de música en valenciano y cuenta con reconocimientos como el Premio a Mejor Lanzamiento Musical de TresDeu, el Premio Ovidi a Artista Revelación y la selección como una de las formaciones ganadoras del concurso Sona9.

En 2023 publicaron con Guspira Records Percal, su primer disco, un trabajo de doce canciones en el que Aina Koda exploraba sonoridades como el trap, el afrotrap y el house, combinando la vertiente más reivindicativa del proyecto con canciones sobre sus raíces, el día a día y su manera de entender la música.

Después de Percal y de los sencillos publicados en los últimos años, Aina Koda presenta ahora el primer adelanto de su próximo EP, La gata. «He tornat», disponible desde hoy, 10 de septiembre de 2026, combina trap y toques de jungle y marca el regreso del proyecto con una energía renovada.

La letra combina ironía, crítica social y autodefensa artística ante los juicios y las presiones. Aina Koda habla de la necesidad de reencontrarse, vivir y recuperar las ganas de escribir con libertad, al mismo tiempo que cuestiona las expectativas y dinámicas que rodean tanto a la música como a su entorno.

Con su habitual sentido del humor y una letra directa, «He tornat» abre el camino hacia el próximo EP, La gata, de Aina Koda, del que es el primer adelanto. «He tornat» ya está disponible en todas las plataformas digitales.

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Hace unos meses, Guspira Records estrenó su primer disco, Guerra Endins, un paso adelante en su trayectoria y su carta de presentación profesional en la escena catalana.

Ahora, con «Què volen aquesta gent?», Declivi recupera el clásico de Maria del Mar Bonet y Lluís Serrahima para darle una nueva lectura y reivindicar la vigencia de una canción nacida como respuesta a la represión. El lanzamiento coincide con un momento en el que los discursos de extrema derecha vuelven a ganar espacio y convierte la pregunta que da título al tema en una cuestión plenamente contemporánea.

Publicada en 1968, «Què volen aquesta gent?» se inspiró en un hecho real ocurrido durante el franquismo y se convirtió en una de las canciones más representativas de la Nova Cançó y de la lucha antifranquista. Censurada por el régimen, la canción ha sido recuperada y versionada posteriormente por diferentes artistas, manteniéndose como un tema de referencia en la memoria y la denuncia de la represión.

Con esta nueva versión, Declivi reivindica el carácter antifascista de la canción y lo traslada al contexto político actual. La banda pone el foco en el crecimiento de la extrema derecha en Cataluña y, especialmente, en la consolidación de Aliança Catalana y la normalización de sus discursos.

En este contexto, Declivi se suma a la convocatoria antifascista de esta víspera de la Diada en el Fossar de les Moreres para plantar cara a Aliança Catalana. La banda ofrece su versión de «Què volen aquesta gent?» como una banda sonora contra la extrema derecha y reivindica la música como herramienta de denuncia ante los discursos de odio, exclusión y autoritarismo.

Musicalmente, Declivi parte de la canción original para llevarla a su propio terreno. La nueva versión mantiene el peso de la melodía y de la letra de Serrahima, pero las envuelve en una sonoridad más cercana al universo de la banda manresana: guitarras afiladas y una interpretación cargada de intensidad y emoción.

Más de cincuenta años después de su publicación, «Què volen aquesta gent?» vuelve a ponerse sobre la mesa de la mano de Declivi, demostrando que algunas canciones no solo forman parte de la memoria, sino que continúan hablando del presente.

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En esta ocasión, Doble comparte canción con Turek Hem, una de las voces que ha ido ganando terreno dentro de la escena del rap mexicano en los últimos años. Originario de Puebla, Turek Hem supera los 200.000 oyentes mensuales en Spotify y ha construido una comunidad muy fiel alrededor de una propuesta profundamente vinculada al rap de calle y a sus raíces.

“So Good” captura la experiencia de vivir entre conciertos, estudios, carreteras y aviones sin perder la ilusión del primer día. La letra habla de alcanzar objetivos poco a poco, cruzar fronteras, descubrir nuevos lugares y seguir creciendo sin olvidar la propia esencia ni a quienes han formado parte del camino desde el principio.

La canción también muestra la cara menos visible de esa vida en constante movimiento: el cansancio, la distancia, el jet lag y las dificultades emocionales que aparecen cuando todo sucede demasiado rápido. Sin caer en un discurso pesimista, Doble transforma esas experiencias en aprendizaje y reivindica la capacidad de seguir disfrutando del camino incluso cuando aparecen las dificultades.

En el centro de “So Good” están la perseverancia, la gratitud y la importancia de valorar el proceso. La canción recuerda que no todo depende de lo rápido que lleguen las cosas, sino de cómo se viven y, sobre todo, de las personas con las que se comparten los momentos que realmente importan.

En lo musical, el sencillo combina melodías cálidas, influencias de hip hop y reggae y una producción fresca y dinámica que acompaña esa sensación de libertad y movimiento constante. El resultado es una canción luminosa y honesta que continúa ampliando el abanico sonoro y emocional de Donde la vida nos lleve.

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La canción habla de afrontar los miedos, el cansancio mental y las contradicciones internas mientras se intenta seguir construyendo un futuro dentro de la música. Tanto Emé como Chuti368 escriben desde un lugar profundamente íntimo, conectando con una realidad compartida por muchos jóvenes artistas: la sensación de estar luchando constantemente contra la presión, la precariedad y las dudas personales sin dejar de perseguir aquello que aman.

Desde los primeros versos, “Otra vez” deja clara esta conexión emocional con las raíces familiares. Cuando Chuti368 canta “Despierto cantando mi abuela ordena los enseres”, el tema abre una ventana íntima hacia los recuerdos domésticos y convierte la figura de la abuela en símbolo de refugio, fuerza y herencia emocional. Esta presencia familiar atraviesa toda la canción y se transforma en un motor para seguir luchando a pesar de las dificultades.

A lo largo del tema también aparece la necesidad de mantenerse fiel a una misma aunque todo parezca inestable. Cuando Emé canta “El impostor está tan cerca, no hay teatro que me esconda la otra cara del infierno”, pone nombre al síndrome del impostor, al miedo a no estar a la altura y al desgaste emocional que a menudo acompaña al proceso creativo. La canción expone estas inseguridades sin dramatizarlas, desde un lugar honesto y directo.

Pero “Otra vez” no queda atrapada únicamente en la tristeza. Entre trabajos precarios, noches sin dormir y planes improvisados, versos como “encerrados entre cajas y sin money” retratan una realidad marcada por la incertidumbre, pero también por las ganas de seguir creando a pesar de todo. La música aparece así como una forma de supervivencia emocional, una manera de transformar la rabia, el miedo y el cansancio en un impulso para seguir avanzando.

Musicalmente, el tema se mueve entre una atmósfera melancólica y una energía contenida que acompaña el relato emocional de las dos artistas. La producción de XDELTA deja espacio para que las interpretaciones respiren con naturalidad, reforzando la sinceridad y la cercanía que definen la canción.

L'entrada Emé presenta «Otra vez» ha aparegut primer a Guspira.net.

La canción combina trap latino, melodías directas y una producción enérgica, dando forma a un tema fresco e inmediato que sigue ampliando el universo musical de Doble.

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Después de convertirse en la canción que impulsó su carrera, «Castillo de Arena» regresa con una nueva dimensión. La rapera gerundense Emé presenta un remix del tema junto a Flavia Beaka y Lasole, dos de las artistas emergentes con mayor proyección de la escena urbana actual. Lejos de ser una simple revisión, esta nueva versión amplía el universo de la canción y la transforma en una conversación entre tres voces con identidades propias, pero una sensibilidad compartida.

Cuando un fragmento de Castillo de Arena comenzó a viralizarse en TikTok, Instagram y otras plataformas digitales, la respuesta del público superó todas las expectativas. La canción acumuló cientos de miles de reproducciones y situó a Emé entre las nuevas voces emergentes del rap estatal gracias a una propuesta marcada por la honestidad, la sensibilidad y su capacidad para combinar rap y melodía con total naturalidad.

En este remix, Flavia Beaka y Lasole aportan nuevas perspectivas que enriquecen el significado original del tema, manteniendo su esencia pero abriéndolo a nuevos matices y experiencias. El resultado es una reinterpretación coral que refuerza el mensaje de Castillo de Arena y pone de manifiesto la complicidad artística entre tres de las voces femeninas más prometedoras de la escena urbana.

La publicación de este remix llega en un momento especialmente significativo para Emé. El 30 de julio, la artista actuará en la Sala DROM de Nueva York dentro de la programación del Latin Alternative Music Conference (LAMC), uno de los principales encuentros internacionales dedicados a la música latina y alternativa. Desde su creación en el año 2000, el LAMC se ha consolidado como uno de los grandes puntos de encuentro entre artistas, festivales, sellos discográficos, promotores, agencias y profesionales de la industria musical internacional. En esta edición, el cartel reúne a artistas como Julieta Venegas, Trueno y muchos otros nombres destacados de la escena latina contemporánea.

La participación en el LAMC representa un paso importante en la proyección internacional de Emé y confirma el crecimiento de un proyecto que, en muy poco tiempo, ha pasado de viralizarse en las redes sociales a formar parte de uno de los eventos más relevantes de la industria musical latina. Precisamente, el remix de Castillo de Arena será una de las piezas con las que la artista se presentará ante profesionales, programadores, festivales y medios internacionales, convirtiendo la canción que marcó el inicio de su trayectoria en su mejor carta de presentación para esta nueva etapa.

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Lejos de construir un relato idealizado sobre el amor, “Nota de voz” pone el foco en todo aquello que queda cuando la comunicación se rompe: los silencios, los mensajes sin responder, la distancia emocional y la sensación constante de llegar tarde a las personas que queremos. La canción se convierte así en una confesión emocional en la que Emé expone sus contradicciones, asume sus errores y muestra sin filtros el desgaste mental que acompaña el proceso.

Desde los primeros versos, el tema deja clara esa lucha interna entre la pasión artística y las relaciones personales. Cuando canta “Me he pasado tantas horas en estudios pa’ enseñarte que la música es mi vida, pero a veces me atormento”, la canción retrata la dificultad de dedicarse plenamente a aquello que amas sin acabar descuidando a las personas que tienes alrededor. La música aparece al mismo tiempo como refugio y como fuente de frustración.

A lo largo del tema también aparece el peso de la culpa y la incapacidad de desprenderse del dolor acumulado. Versos como “He pagado frustraciones de mi vida con los míos” muestran esa conciencia de hacer daño sin querer, mientras que “El desahogo en un cuaderno, en una nota de voz” transforma la escritura y la voz en una herramienta para sobrevivir emocionalmente.

Pero a pesar de la tristeza que atraviesa toda la canción, “Nota de voz” también deja espacio para la resistencia emocional. Entre la nostalgia, la culpa y las heridas emocionales, el tema acaba convirtiéndose en una reflexión sobre la capacidad de seguir adelante incluso cuando todavía cargamos con aquello que pesa.

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“Qué más pedir” es una rumba catalana con influencias latinas que surge del encuentro creativo entre Microbio y Willow VSound. La canción representa una nueva aproximación sonora dentro del proyecto y refleja la inquietud constante del artista por seguir ampliando sus horizontes musicales.

La letra gira en torno al amor, aunque lo hace desde un lugar mucho más directo y cotidiano, poniendo el foco en el amor fraternal, compartido y sincero, alejado de grandes artificios.

A nivel de producción, el tema es fruto de la colaboración entre Microbio y Willow VSound, una alianza creativa que les lleva a adentrarse en terrenos poco habituales dentro del universo del artista. La búsqueda de un lenguaje más cercano a la rumba catalana y a las sonoridades latinas acaba abriendo la puerta a la participación de BanannaBeach, cuya aportación resulta clave en la construcción de la canción.

La colaboración con la banda no solo ayuda a definir el carácter musical de la pieza, sino que también se integra de forma natural en su narrativa. Oriol Sarandonga aporta una estrofa en catalán y participa en los estribillos, mientras que Ignasi Caballé y Roger CM completan una grabación marcada por el espíritu colectivo y la suma de sensibilidades diversas.

Con “Qué más pedir”, Microbio incorpora nuevos matices a su universo musical. La rumba catalana, las influencias latinas y el trabajo compartido con otros músicos dan forma a una canción luminosa, orgánica y cercana que amplía los límites sonoros del proyecto sin perder su identidad.

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L'entrada Doble estrena «Tú y yo» junto a Villax ha aparegut primer a Guspira.net.

Con esta idea en mente, y con la necesidad de dar forma a un universo musical más amplio, Microbio decide buscar un productor capaz de acompañarlo más allá del rap. Así es como aparece Willow VSound, con quien conecta rápidamente tanto a nivel creativo como personal. El proceso entre ambos empieza casi como un juego: en pocas semanas pasan de hacer un reggae a un tema de hip hop con influencia jazzística, de una rumba a una pieza con sonoridades urbanas e inspiraciones mexicanas.

A medida que avanza el proyecto, esta variedad deja de ser casual para convertirse en una apuesta consciente. El disco se aleja de la idea de un único estilo y pone el foco en la música, en los matices y en la riqueza sonora, recuperando en cierta manera el espíritu de banda que había marcado la etapa con LDS. En todo este proceso se suman distintos músicos y colaboradores, muchos de ellos amigos cercanos, que terminan de dar forma a un trabajo colectivo, orgánico y lleno de detalles.

En este contexto llega “Sangre en Vena”. Una canción de reggae romántico que, sin grandes pretensiones, nace de una inquietud bastante clara: la sensación de que muchas canciones actuales hablan de las relaciones desde un lugar frío, superficial o incluso competitivo.

Frente a eso, Microbio plantea justo lo contrario: una canción sencilla, casi ingenua, que habla de estar bien con alguien, de valorar lo que tienes y de entender que, al final, eso es lo que importa. El tema comienza desde un lugar íntimo, pero a medida que avanza se transforma en algo más compartido, con un estribillo festivo que abre esta idea del amor hacia una dimensión más colectiva y fraternal.

A nivel creativo, “Sangre en Vena” parte de una melodía vocal que Microbio ya tenía en la cabeza, sobre la cual Willow construye toda la producción. El resultado es un sonido limpio y muy agradable de escuchar, con momentos que crecen de forma natural, como las trompetas de Marçal Muñoz que irrumpen con fuerza en el estribillo.

Sin querer ser una carta de presentación demasiado exagerada, “Sangre en Vena” funciona como una puerta de entrada clara al proyecto: una canción que deja entrever una de las muchas caras de un disco que apuesta, sobre todo, por la libertad y la variedad.

L'entrada Microbio presenta «Sangre en vena» ha aparegut primer a Guspira.net.