Después de haber pasado por otros proyectos que no acabaron de prosperar, Declivi se convierte en el punto de convergencia definitivo para sus integrantes. Un espacio creativo desde el que canalizar inquietudes, frustraciones, contradicciones y también momentos de luz. Su sonido se mueve dentro del rock con carácter y distorsión, pero sin renunciar a las melodías ni a cierta fragilidad emocional. Sus canciones son en catalán, la lengua con la que viven y se expresan, y que reivindican como presente y futuro de su música.

En muy poco tiempo, la banda ha empezado a ganar presencia dentro de la escena emergente del territorio. Han recibido el apoyo de la Casa de la Música de Manresa, que les otorgó una beca de grabación y les acompañó en la puesta en marcha de un festival dedicado a bandas emergentes de la ciudad. Además, en 2024 también se proclamaron ganadores del concurso Engresca’t, reforzando así el crecimiento de un proyecto que no ha dejado de evolucionar desde su primera actuación en directo.

Ahora presentan su nuevo sencillo, “Quan m’inunden les pors”, el segundo adelanto de su próximo trabajo. Si en temas anteriores la tensión y el conflicto eran el motor, aquí la banda da un giro hacia la reconstrucción. No es una canción ingenua ni naïf: es el relato de alguien que ha atravesado la oscuridad y decide, conscientemente, quedarse en la luz.

Con una base de rock a 93 BPM en Do mayor, el tema respira amplitud y claridad, pero no esconde las cicatrices. La letra es explícita en la transformación: arrancarse “les còrnies desolades”, tirar la mirada antigua y clavarse unas nuevas. La imagen es casi violenta, pero necesaria. No se trata de olvidar el dolor, sino de cambiar la forma de mirarlo.

El verso “resisteixo a la línia de front” convierte el conflicto emocional en campo de batalla. Pero aquí la guerra no es contra el mundo, sino contra uno mismo: contra el miedo al fracaso, al rechazo, a volver a caer. Y es precisamente el amor —la presencia serena del otro— lo que actúa como punto de apoyo para reconstruir una identidad más fuerte.

La repetición de “poc a poc i pas a pas, ferm i amb convicció” no es solo un recurso lírico; es una declaración de intenciones. El crecimiento no es explosivo, es progresivo. No es épico, es real. Declivi firman así una de sus piezas más luminosas y maduras, donde la vulnerabilidad deja de ser debilidad para convertirse en fuerza.

Este segundo adelanto amplía el universo de “GUERRA ENDINS”, un disco que explora las batallas internas y las cicatrices, pero también la posibilidad real de sanarlas.

“GUERRA ENDINS” verá la luz el 14 de mayo.

L'entrada Declivi publica «Quan m’inundin les pors» ha aparegut primer a Guspira.net.

Tras varios trabajos publicados a lo largo de su carrera, Mistah Godeh ha ido consolidando un universo propio dentro de la escena Reggae y urbana estatal. Uno de los momentos clave llega con «Camaleón», álbum de 2021 que tuvo un gran impacto y que sirvió para reafirmar su identidad sonora, mostrando su capacidad de adaptarse a diferentes estilos sin perder esencia. Un año después, llegaría el EP “Player Z”, donde se incluyen algunos de sus temas más reconocidos como «Pipa y Placa», una colaboración con Accion Sanchez, Calero LDN y Fyahbwoy. Dentro de su trayectoria también destacan diversos «Cyphers» que acumulan millones de reproducciones, evidenciando su evolución artística.

Ahora presenta “Niebla”, un nuevo single que explora la dimensión más nostálgica del amor y la huella que dejan las relaciones intensas cuando se convierten en recuerdo. Con una base de reggae pausado (88 BPM en tonalidad de B menor), el tema construye una atmósfera íntima y emocional que acompaña un relato marcado por la memoria y la confusión sentimental.

“Niebla” describe a una persona atrapada en la nostalgia de un amor del pasado que vivió con mucha intensidad. A través de una narrativa cargada de recuerdos, la canción evoca una relación juvenil situada en la época de los años 2000, una etapa en la que las emociones se viven con especial intensidad y donde cada gesto, cada espera y cada momento compartido adquieren un significado profundo.

Mistah Godeh utiliza la metáfora de escalar una cima difícil para explicar la complejidad de esa relación: un vínculo al que siempre quiso volver a intentar llegar, incluso después de las caídas. El single mezcla romanticismo y melancolía, mostrando cómo una relación puede ser dulce y al mismo tiempo dolorosa, difícil de alcanzar y llena de intentos fallidos por mantenerla viva.

Entre recuerdos difusos y emociones que todavía permanecen, “Niebla” habla de la dificultad de dejar atrás el pasado y de cómo ciertos momentos siguen presentes mucho tiempo después de haber ocurrido.

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Después de proyectos anteriores que no habían acabado de cuajar, Declivi se convierte en el punto de encuentro definitivo: un espacio para canalizar inquietudes, rabias, contradicciones y también luz. Hacen rock con nervio y distorsión, pero no renuncian a la melodía ni a la ternura. Cantan en catalán porque es su lengua y su presente, y defienden que también es el futuro.

En poco tiempo, el grupo ha empezado a hacerse un lugar dentro de la escena emergente del territorio. Han contado con el apoyo de la Casa de la Música de Manresa, que les concedió una beca de grabación y les acompañó en la creación de un festival dedicado a bandas emergentes de la ciudad. Además, la banda también ganó el concurso Engresca’t de 2024, consolidando así los primeros pasos de un proyecto que no ha dejado de crecer desde que subió por primera vez a un escenario.

Ahora presentan “Fes-me miques”, el primer adelanto de su nuevo álbum “GUERRA ENDINS”. El sencillo cuenta con la colaboración de Still Ill, y traza un puente sólido entre el rock alternativo en catalán y la escena urbana crítica estatal.

La canción captura el momento preciso en el que sientes una conexión con alguien pero te encuentras frente a un muro invisible. Un muro hecho de miedo al rechazo, de expectativas proyectadas y de silencios que pesan. La historia pone el foco en una realidad que a menudo se intensifica en relaciones homosexuales dentro de espacios de ocio cis-heteronormativos, donde el deseo convive con la tensión de ser observado o descubierto.

La letra avanza entre la fantasía y la angustia, entre el “plan de por vida” y la condena interior. La repetición de “yo cuelgo de un hilo” acentúa la fragilidad emocional hasta que todo desemboca en un solo de guitarra catártico, donde la tensión acumulada estalla. Es la ruptura del muro. O, como mínimo, la primera grieta.

“Fes-me miques” abre la puerta al universo de “GUERRA ENDINS”, un disco que profundizará en los conflictos internos, los miedos colectivos y las batallas que se libran hacia dentro.

“GUERRA ENDINS” verá la luz el 14 de mayo.

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‘2C-B’ es el segundo single de la nueva identidad musical que MS OBAMA ha empezado a desarrollar: una más cruda y directa, más performativa y provocativa, con la que se atreve a mirar cara a cara a sus ángeles y a sus demonios.

La nueva etapa artística de MS OBAMA empieza a coger forma. Siguiendo la línea inaugurada con ‘Roller Coaster’, que nos adentra en un universo sonoro donde conviven lo visceral, lo oscuro, lo poderoso y lo divino, la artista valenciana entrega ahora una segunda pieza que consolida su nuevo rumbo musical: uno mucho más crudo, directo, performativo y provocativo.

‘2C-B’, su nuevo single, vuelve a poner encima de la mesa asuntos como el poder y la identidad, pero en esta ocasión enmarcándolos en el ambiente hedonista de la cultura clubber. Narrada desde una posición dominante, apropiándose de los códigos del deseo, del dinero y de la fama, es una sátira bastante oscura sobre cómo el placer, el consumo y la validación social se mezclan en el clubbing, estableciéndose una frontera muy difusa entre la autocosificación y el empoderamiento.

Según admite la propia autora, con ‘2C-B’ ha querido “llevar al extremo el imaginario del clubbing, del lujo y del exceso para mostrar lo grotesco y vacío que puede ser cuando el deseo se convierte en negocio”. Busca con ella poner en cuestión la auto mitificación de la cultura nocturna, llegando a funcionar como una especie de espejo incómodo en el que se refleja la perversión del capitalismo cuando se mezcla con el placer, la utilización de los cuerpos como producto y las relaciones como moneda de cambio.

Asumiendo un alter-ego exagerado, poderoso y sexualizado, MS OBAMA retrata en ‘2C-B’ el contraste entre la euforia y el vacío del ambiente clubber. El tono sensual y seguro de su voz se combina con la contundencia de su estructura musical, que bebe del club culture y, sobre todo, del rave. Todo el tema se articula entonces a través de una reforzada línea de bajo que permite a la voz desarrollar toda su energía agresiva sin necesidad de atacar, dando como resultado una bomba de apenas dos minutos que no sabes si ya ha estallado o está a punto de hacerlo. Como el artefacto industrial inflamable que es, ‘2C-B’ está lleno de tensión y aspereza, como las canciones de Die Antwoord, pero también de elegancia y de precisión, como el estilo de Azealia Banks. Luces y sombras, euforia y vacío. Es el nuevo camino de MS OBAMA, el que ha elegido para expresarse artísticamente y para mirar cara a cara a sus ángeles y a sus demonios. 

Tras formarse en el circuito underground de la ciudad condal, MS OBAMA ha ido consolidando una identidad sonora propia marcada por la intensidad física, la oscuridad magnética y una fuerte carga emocional.

Su trayectoria incluye la residencia en 2021 de la fiesta South Block en la sala Jamboree Dance Club, un punto de encuentro clave para artistas emergentes de la escena urbana barcelonesa – cantantes, bailarines, productores y colectivos multidisciplinares-. Reconocida por la potencia de sus directos, decidió registrar un live set de una hora en la emblemática Sala Apolo, reforzando así su perfil escénico.

En 2026 inicia una nueva etapa artística con un universo audiovisual renovado los singles «Roller Coaster» y «2C-B«.

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El disco habla del cambio, del miedo a caer, del peso emocional de no saber qué vendrá, pero también de la necesidad de imaginar nuevas vidas y mundos posibles. Abrazar el abismo como un acto de resistencia y de cuidado. “Vèrtic” —palabra de raíz valenciana— es esa pérdida de equilibrio que hace girar la realidad, y Sobre Mi Gata decide sostenerla a base de dub, steppa y bajos masivos, con su sello inconfundible: fiesta, conciencia y cuerpo en movimiento.

El álbum alterna la crítica política directa con canciones de amor frágiles y honestas. “Murs d’altaveus” es un grito para romper fronteras, prisiones y jaulas, cantando para que algún día caigan todos los muros —excepto los de los soundsystems. “Vaga General Apocalíptica” convoca la insurrección colectiva en un momento histórico en el que parece más fácil imaginar el fin del mundo que el del capitalismo.

Por otro lado, “Tot el que no sóc” y “Vèrtic” exploran el amor desde la pérdida, el cambio y el miedo: amar como un salto al vacío que puede ser doloroso, pero también sanador. “Dopamina” retrata la vida como una resaca constante, con la intuición de que, pese a todo, volver a levantarse es posible. “Fundación” mira con pesimismo la fusión entre humanos y tecnología, cantando a un futuro cada vez más alejado de lo que se puede sentir y tocar. “Medusa” reflexiona sobre la identidad como una piel cambiante, mutable y elegible. Y el disco se pregunta, sin una respuesta clara: quién decide los instantes imprevisibles, el amor, el rumbo de una noche.

L'entrada Sobre Mi Gata publica «Vèrtic» ha aparegut primer a Guspira.net.

El primer lanzamiento, “ALL IN XXI”, marcó el punto de inflexión entre la escritura privada y la compartida, abriendo una etapa de publicaciones que oscilaban entre el boom bap y el trap. Posteriormente, su estancia en Sevilla se convierte en una fase decisiva: inmersa en una escena hip-hop especialmente activa, recupera la motivación creativa y asume un rol plenamente autogestionado. Sin acceso a estudio profesional, produce piezas como “MIAVITA” y “ORGULLO” desde casa, consolidando una manera de trabajar basada en la intuición, la constancia y la independencia.

En un año, la artista ha publicado casi una decena de canciones y ha establecido colaboraciones con diferentes productores y artistas sevillanos, ampliando su registro interpretativo y definiendo una identidad que combina la raíz clásica del rap con una sensibilidad melódica reconocible. Este recorrido, construido paso a paso y desde la proximidad con su propia vivencia, sitúa a Emé como una voz emergente que entiende la música no solo como estilo, sino como proceso vital en evolución constante.

Con “Etapas”, Emé presenta una nueva pieza de hip-hop a 90 BPM en tonalidad de Do menor que mantiene la raíz boom bap pero la proyecta hacia un terreno emocional e introspectivo. La producción construye una atmósfera sobria y reflexiva que acompaña una interpretación directa, donde la contundencia del rap convive con momentos de vulnerabilidad y melodía. El resultado es un espacio sonoro que invita a escuchar desde dentro, a medio camino entre la confesión y la afirmación personal.

La canción se despliega como una mirada honesta sobre las diferentes fases que configuran el trayecto vital. “Etapas” habla de bloqueos, de impulsos por liberarse y de la necesidad de avanzar incluso cuando no existe ningún mapa que indique el camino correcto. La letra combina determinación y duda, fuerza y fragilidad, para reivindicar el derecho a equivocarse, caer y volver a levantarse. También emerge una reflexión sobre la confianza y el entorno: la conciencia de las posibles traiciones convive con el reconocimiento de aquellas personas que sostienen sin esperar nada a cambio.

El videoclip amplía este universo conceptual representando tres etapas vitales a través de diferentes personajes. Emé aparece como hilo conductor que atraviesa las historias y las conecta, simbolizando el paso del tiempo, la evolución personal y la continuidad emocional entre momentos aparentemente separados.

“Etapas” se presenta así como un relato de crecimiento y resistencia cotidiana, una invitación a reconocer el valor de cada fase del camino y a continuar avanzando con voz propia.

L'entrada Emé presenta “Etapas” ha aparegut primer a Guspira.net.

Meli, articula un recorrido emocional y corporal durante 12 canciones que van del dilema al canto y del canto al cuerpo, cada pieza se ancla a una experiencia (encontrarse, despedirse, transitar, añorar, aceptar…) y a un gesto musical que la sostiene. El resultado es un álbum con identidad, cercano, sincero y útil.

Musicalmente hablando, “Temas, terapias y visajes” es un disco diverso que nace de una exploración colectiva. Con Ancestral Beats en la producción, se abrieron espacios para que las ideas confluyeran y tomaran forma en un álbum honesto y sentido, divergente en rutas, pero coherente en propósito.

Paisajes de dembow, cumbia, funk carioca, mapalé, bambazú, konpa dirék y juga conviven con bajos electrónicos y sintetizadores, dentro de un diseño sonoro cuidado. Guitarras y sección de vientos abrigan la mezcla, mientras que tambor alegre, tambora, marimba, arpa y gaita aportan carácter. Esta amalgama labra el terreno para que la voz quede al frente, con una mezcla limpia y dinámica que prioriza el mensaje.

En un álbum de estas dimensiones, el proyecto reúne colaboraciones de Pahua (México), Pio Molina (Colombia / Barcelona), Aku Percu (Colombia / Nueva York) y Mangle (Colombia), incorporando distintas voces y contextos que expanden la identidad del disco.

Canciones del álbum:
El recorrido del álbum se articula a través de distintas piezas que reflejan estados, aprendizajes y miradas complementarias. “Suavitell” propone vivir el proceso sin afán y confiar en el tiempo, mientras “Metiendo candela” invita a encender la conexión espiritual sin necesidad de dogmas. “Vijagual” funciona como un homenaje a las raíces y al lenguaje del pueblo, y “Suelta” plantea hacer espacio para lo esencial. En “Entre los hilos” aparece la idea de aprender a jugar con las fuerzas que nos mueven, mientras “Temas” apuesta por menos fachada y más canciones.

“Furia en las venas” introduce una intensidad visceral dentro del relato, y “Dins de la Font” abre la puerta a otra lectura de lo cotidiano. “Adiós” aborda la despedida poniendo el foco en lo vivido más que en la pérdida, al tiempo que “Nómada” reflexiona sobre caminar y pertenecer en tránsito. “Fragmento” habla de aceptar el ritmo propio y el de las cosas, y “Peque Peque” cierra este mapa emocional poniendo en valor el esfuerzo cotidiano y el oficio.

En directo:
La presentación del álbum recorrerá distintos escenarios con fechas confirmadas y por anunciar: el 7 de marzo en “Sala Frenesí” (Vinaroz), el 13 de marzo en “Sala Villanos” (Madrid, por confirmar), el 20 de marzo en “Sala 2 Jamboree” (Barcelona) y el 28 de marzo en “La Media Torta” dentro del “Festival Latir” en Bogotá.

L'entrada Meli Perea y su nuevo disco «Temas, terapias y visajes» ha aparegut primer a Guspira.net.

El catalán y, especialmente, el habla menorquina y salada, es una parte esencial de su identidad artística, no solo como lengua de expresión, sino como un posicionamiento cultural claro y consciente. Musicalmente, Rudymentari bebe de la tradición jamaicana, el Rub-a-dub, el Ska, la cultura Sound System y especialmente del Roots Reggae, entendidos como espacios de resistencia, encuentro y conciencia colectiva.

Tras un tiempo de silencio discográfico y una pausa en los escenarios, Rudymentari regresa en 2026 con un nuevo disco bajo el brazo: “Mala herba sempre creix”. Una declaración de intenciones que transmite, desde el primer momento, impulso de lucha, resistencia y esperanza.

Con la fuerza persistente de las malas hierbas, el proyecto rebrote con un trabajo que pone el foco en la defensa del territorio, el amor por la tierra y las raíces. Una crítica clara a la turistificación, la especulación inmobiliaria y las desigualdades sociales que atraviesan la sociedad actual.

Las canciones de “Mala herba sempre creix” construyen un relato unitario de resistencia y conciencia colectiva. “Ho tornarem a fer” es su núcleo conceptual, una declaración de esperanza y perseverancia frente a la adversidad. “Ca la rata” señala directamente la turistificación y la especulación inmobiliaria como motores de la degradación del territorio y de la calidad de vida.

“Kabrit” aporta el contrapunto más luminoso del disco, celebrando la amistad, la libertad y a las personas que nos han acompañado a lo largo del camino. “Nostra manera” define la esencia de Rudymentari de forma casi poética, explicando sus valores y su razón de ser más allá de la música. “Dues cares” reflexiona sobre el poder, los privilegios y las desigualdades que sostienen el status quo. “Crema i ensaïmada” rinde tributo a las raíces, la cultura popular y el valor artesanal, conectando tradición y cultura Sound System desde una mirada autogestionada. “Mr. Money” personifica el dinero como una relación tóxica que condiciona vidas y decisiones, y “Rudymentariament” cierra el disco con una crítica directa a un modelo de vida insostenible, poniendo sobre la mesa la necesidad inevitable del decrecimiento.

L'entrada Rudymentari publica «Mala herba sempre creix» ha aparegut primer a Guspira.net.

Con este recorrido siempre mutante y crítico, Sobre Mi Gata llega con “VAGA GENERAL APOCALÍPTICA”, un single que condensa todo su imaginario en un estallido rítmico y político. Si sus trabajos anteriores ya se adentraban en futuros inciertos y realidades rotas, aquí el grupo pisa el acelerador y convierte la distopía en consigna: un llamado a sacudir el sistema, cuestionar la tecnología que nos devora y bailar entre las ruinas de un mañana que parece escrito de antemano.

La canción es un grito incendiario que combina crítica social, ficción tecnológica y una pulsión rítmica que transforma el caos en un espacio de baile e insurrección. Entre robots, capitales acumulados y un futuro devorado por las máquinas, el tema despliega un manifiesto lúdico y rabioso contra la deshumanización.

Musicalmente, el tema se construye sobre 135 BPM y una tonalidad de La sostenido menor, una combinación que intensifica la tensión del paisaje sonoro y refuerza el significado de la letra. El resultado es una pieza que se mueve entre el dub, la electrónica industrial y el eco de unos luditas del siglo XXI, convirtiendo el apocalipsis en una fiesta rabiosa y colectiva.

El grupo convoca una huelga total, simbólica y devastadora, que cuestiona quién controla las herramientas, quién sufre sus consecuencias y qué papel queda para los cuerpos obreros en un mundo mecanizado hasta el absurdo.

Fiel a su universo, Sobre Mi Gata transforma el fin del mundo en un grito colectivo: hacerlo estallar quizá sea la última fiesta que nos queda. Si hacía falta un himno para bailar al borde del precipicio, este es el que suena cuando el sol estalla y el miedo cambia de bando.

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Ahora, Rudymentari presenta “Com T’Ho He De Dir”, el segundo adelanto de su nuevo disco “Mala herba sempre creix”, una pieza que nace del cansancio, de la rabia contenida y de la imposibilidad de seguir explicando una injusticia que ya es evidente para todo el mundo.

La canción pone el foco en un sistema desigual y piramidal, donde la acumulación de privilegios convive con la precariedad más extrema, y donde la justicia parece funcionar solo para algunos. Con una letra punzante y cargada de ironía, Rudymentari señala las contradicciones de un modelo que se presenta como democrático mientras protege el poder, la impunidad y las jerarquías heredadas.

“Com T’Ho He De Dir” juega con la repetición como recurso expresivo: una pregunta que vuelve una y otra vez porque ya no hay más maneras de explicarlo. El tema contrapone realidades irreconciliables —la abundancia y la carencia, quienes viven a favor del viento y quienes lo hacen a contracorriente— y apunta directamente a las estructuras que sostienen esta desigualdad. Frases como “manen corones brutes de sang” o “jo no he vist Déu, he vist Judes” sintetizan el desencanto con las instituciones y los relatos que legitiman el poder.

Musicalmente, “Com T’Ho He De Dir” avanza sobre un patrón de roots reggae, seco y repetitivo. El ritmo sostenido acompaña la repetición del mensaje y mantiene la tensión constante, poniendo el foco en el texto y en su carácter de denuncia directa.

Con este segundo adelanto, Rudymentari continúa desplegando el discurso de Mala herba sempre creix, un trabajo marcado por la crítica social, la conciencia política y la voluntad de sacudir, señalar y no callar ante un sistema que reparte privilegios para unos y miseria para otros.

L'entrada Rudymentari presenta «Com T’ho He De Dir» ha aparegut primer a Guspira.net.