En los últimos años, el artista ha ido consolidando su camino con lanzamientos como “3 AM”, tema que ya acumula más de 30 millones de reproducciones, y experiencias clave como su paso por la gira de L-Gante, que le han permitido conectar con nuevos públicos y ganar solidez sobre el escenario. Un proceso de crecimiento que ha ido en paralelo a una evolución personal y artística cada vez más marcada.

En esta nueva etapa, Doble presenta un proyecto en el que lleva tiempo trabajando y que refleja un momento de cambio profundo. Este proyecto ha sido desarrollado íntegramente en México, concretamente en Guadalajara, donde el artista se ha instalado durante este tiempo para crear desde cero, rodeándose de nuevos estímulos, colaboraciones y formas de entender la música que han acabado influyendo directamente en su sonido.

En este contexto llega “Yo no lo sé”, el primer adelanto de su próximo trabajo y una de sus piezas más contundentes a nivel conceptual. La canción pone sobre la mesa un conflicto tan íntimo como universal: la presión constante de tener que saber qué hacer con tu vida mientras todo el mundo opina desde fuera.

Lejos de buscar respuestas fáciles, Doble construye un discurso incómodo y necesario. La letra se mueve entre la rabia y la vulnerabilidad, reflejando la frustración de sentirse incomprendido en un entorno donde abundan los juicios, pero escasea el apoyo real. “Yo no lo sé” es, en esencia, una rebelión interna contra esa imposición de certezas.

A nivel sonoro, el tema refuerza ese mensaje con una producción sólida y directa. Construido sobre un ritmo de 128 BPM y en tonalidad de sol menor, el sencillo combina la contundencia del hip hop con una energía casi catártica, generando una tensión constante que acompaña el discurso emocional del artista. El resultado es una pieza que no solo se escucha, sino que se siente desde dentro.

L'entrada Doble sale con «Yo no lo sé» ha aparegut primer a Guspira.net.

El grupo construye su propuesta desde una necesidad expresiva clara. Declivi canaliza inquietudes, contradicciones, rabias y momentos de ternura a través de un lenguaje que combina la energía cruda del rock con una marcada sensibilidad melódica. Sus canciones, interpretadas íntegramente en catalán, abordan temáticas como la alienación, los miedos, las relaciones, la fiesta, las derrotas y la voluntad de transformación colectiva, configurando un universo honesto y generacional.

Desde su primer concierto en Manresa el 30 de junio de 2023, la banda ha ido consolidando su recorrido escénico concierto tras concierto, convirtiendo el directo en el espacio central donde su música adquiere plena dimensión. Este camino desemboca ahora en “Guerra Endins”, un trabajo que funciona tanto como carta de presentación como declaración de intenciones.

El disco propone un recorrido emocional que atraviesa la identidad, la memoria, el conflicto y la reconstrucción personal. A través de nueve piezas, Declivi dibuja un relato que oscila entre la protesta y la vulnerabilidad, la introspección y la explosión colectiva. El título sintetiza este concepto central: la guerra interior que acompaña procesos vitales, sociales y emocionales, pero también la capacidad de resistir, imaginar alternativas y seguir avanzando.

“Guerra Endins” se abre con “Miratges”, una reivindicación de la identidad propia frente a contextos adversos, y avanza hacia piezas como “Vidres Trencats”, colaboración con el grupo “Punkxada” que conecta memoria, resistencia y crítica social. Otros momentos del disco exploran el desarraigo y la fragilidad (“No vinc a casa”), la necesidad de imaginar un mundo sin violencia (“l’Interludi – Guerra Endins”) o la reconstrucción emocional a través del amor (“Quan m’inundin les pors”).

El trabajo también incorpora narrativas sobre identidad y deseo, como en “Fes-me Miques” con Still Ill, donde la tensión emocional y el miedo al rechazo desembocan en un clímax catártico, así como reflexiones sobre la presión externa (“La lluna m’ha dit”), relatos alegóricos de amor y autonomía (“Mar”) y una despedida íntima que cierra el recorrido con serenidad (“De dilluns a diumenge”).

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El resultado es un cypher, un formato clásico del hip-hop en el que varias MCs participan sobre una misma instrumental con fragmentos propios, enlazando estilos y discursos dentro de una misma pieza. En este caso, sin embargo, “Jauría” va más allá del ejercicio técnico: se convierte en un espacio de conexión real entre artistas que, a pesar de venir de contextos diferentes, comparten una misma energía y actitud.

Emé, Gea, Ari Guada y PolloK construyen un relato coral que pone en el centro el empoderamiento, la libertad personal y la fuerza de la unión. Cada intervención aporta una mirada propia, pero el conjunto mantiene una coherencia clara: la de un grupo de mujeres que han crecido desde abajo, que han aprendido a confiar en sí mismas y que reivindican su lugar con seguridad y autenticidad.

Las letras combinan contundencia y sensibilidad, alternando momentos de determinación con espacios de vulnerabilidad y reflexión. Se abordan las presiones sociales, las contradicciones del día a día y el cansancio que a menudo acompaña los procesos personales, pero también la capacidad de transformarlo todo en motor creativo y seguir avanzando.

La producción, firmada por el propio Ekys en Diagramastudio, se asienta sobre un boom bap crudo, agresivo y con una fuerte carga rítmica que da soporte a la intensidad del discurso. Los drums, contundentes y directos, conectan con la esencia del rap underground clásico, mientras que el tratamiento sonoro busca una identidad propia dentro del género, potenciando tanto la actitud como la interpretación de las artistas.

A nivel conceptual, “Jauría” también apuesta por trasladar el espíritu del cypher más allá del audio, con la idea de reforzar esa imagen de colectivo y presencia compartida. El proyecto se plantea así como una pieza completa, donde música, imagen y narrativa giran alrededor de una misma idea: sumar fuerzas para amplificar el mensaje.

El resultado es una canción intensa, directa y cohesionada que funciona tanto desde el impacto individual de cada voz como desde la potencia del conjunto. “Jauría” no es solo un tema: es una declaración colectiva, un punto de encuentro y una forma de entender el hip-hop desde la colaboración, la actitud y la identidad propia.

L'entrada Emé publica»Jauría (cypher)» ha aparegut primer a Guspira.net.

Aina Koda se ha posicionado rápidamente como uno de los nombres destacados dentro del panorama emergente de música en valenciano. El proyecto, que ya cuenta con varios premios que lo respaldan, ha recibido el Premio a Mejor Lanzamiento Musical de TresDeu y el Premio Ovidi a Artista Revelación. El más reciente, en 2022, llegó al ser una de las formaciones ganadoras del concurso musical Sona 9.

Con un espíritu inconformista, su sonoridad nace del rap pero viaja hacia otros géneros muy distintos, creando un estilo único. Y es que Aina Koda forma parte de esta nueva ola de músicos que escapan de etiquetas y pueden hacer tanto lírica protesta como hablar de temas cotidianos. En su caso, lo hacen añadiendo un toque de humor característico, uno de los rasgos que más les impulsa a la hora de seguir creando canciones.

Ahora presentan “Plàstek”, un nuevo single que se adentra de lleno en el hardtek para construir una pieza contundente, acelerada e incómoda, tanto en el sonido como en el mensaje. Publicada el día de su cumpleaños, la canción se plantea como una declaración de intenciones: una mirada crítica hacia una sociedad cada vez más condicionada por los algoritmos y las dinámicas de las redes sociales.

Con una letra cargada de protesta pero también de ironía, Aina Koda pone el foco en la normalización de discursos de odio y en la superficialidad de un entorno digital que a menudo amplifica narrativas peligrosas. “Plàstek” no solo denuncia, sino que también expone una sensación generacional compartida: la pérdida de identidad y la necesidad urgente de romper con una forma de vida artificial, prefabricada y vacía.

El tema avanza a 150 BPM y está construido en tonalidad de Mi bemol mayor, combinando energía rave con una actitud punk que refuerza el mensaje de ruptura. La producción, a cargo de Agon, apuesta por un sonido directo y sin concesiones, que acompaña y potencia el carácter combativo de la pieza.

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Después de varias experiencias en otras formaciones, el grupo se consolida como un nuevo punto de encuentro creativo desde el que canalizar inquietudes, rabia y emociones a través de un rock intenso pero abierto a la melodía y a la sensibilidad. Sus canciones son en catalán, la lengua con la que viven y con la que quieren seguir explicando su mundo.

En poco tiempo, la banda ha empezado a abrirse camino dentro de la escena emergente. Han contado con el apoyo de la Casa de la Música de Manresa, que les concedió una beca de grabación y les acompañó en la creación de un festival de grupos emergentes de la ciudad. Además, en 2024 ganaron el concurso Engresca’t, reafirmando el crecimiento de un proyecto que no ha dejado de avanzar desde sus primeros conciertos.

Con “Miratges”, tercer adelanto de GUERRA ENDINS, la banda pone el foco en una de sus obsesiones recurrentes: la lucha por preservar la identidad propia cuando todo a su alrededor parece frágil, artificial o directamente engañoso.

La canción nace de una idea clara: cuando vives rodeado de espejismos, la única verdad posible es la que eres capaz de construir desde dentro. No hay faros eternos. No hay promesas indestructibles. Y quizá tampoco hay victorias aseguradas. Pero hay conciencia.

Con una base acelerada a 140 BPM en mi menor, el tema avanza con determinación, casi sin respirar. Las guitarras sostienen una tensión constante que refuerza el carácter urgente de la letra, mientras la voz se mueve entre el desencanto y la reafirmación. No es una explosión caótica: es una resistencia sostenida.

Versos como “Viure al desert només són miratges” o “M’he tret la por de viure al davant” encapsulan el conflicto central: dejar de fingir que todo va bien, abandonar la comodidad de la buena cara y asumir que crecer implica despojarse de referentes que parecían incuestionables.

La repetición de “Desperta’m quan sigui de nit” funciona casi como un mantra invertido: no es una llamada a huir de la oscuridad, sino a afrontarla con lucidez. Si el frío llega cada mañana y el verano dura menos de un grito, la respuesta no es negarlo, sino mantenerse en pie pese a todo.

“Miratges” no promete redenciones épicas. No asegura que la guerra se gane. Pero sí defiende una idea esencial: incluso en medio del desierto, hay una voz propia que puede marcar el camino.

Con este tercer adelanto, Declivi siguen ampliando el universo de GUERRA ENDINS, un disco que explora las batallas internas, la fragilidad y la rabia, pero también la posibilidad —real e imperfecta— de sostenerse cuando todo tambalea.

“GUERRA ENDINS” estará disponible en todas las plataformas el 14 de mayo.

L'entrada Declivi publica «Miratges» ha aparegut primer a Guspira.net.

Después de haber pasado por otros proyectos que no acabaron de prosperar, Declivi se convierte en el punto de convergencia definitivo para sus integrantes. Un espacio creativo desde el que canalizar inquietudes, frustraciones, contradicciones y también momentos de luz. Su sonido se mueve dentro del rock con carácter y distorsión, pero sin renunciar a las melodías ni a cierta fragilidad emocional. Sus canciones son en catalán, la lengua con la que viven y se expresan, y que reivindican como presente y futuro de su música.

En muy poco tiempo, la banda ha empezado a ganar presencia dentro de la escena emergente del territorio. Han recibido el apoyo de la Casa de la Música de Manresa, que les otorgó una beca de grabación y les acompañó en la puesta en marcha de un festival dedicado a bandas emergentes de la ciudad. Además, en 2024 también se proclamaron ganadores del concurso Engresca’t, reforzando así el crecimiento de un proyecto que no ha dejado de evolucionar desde su primera actuación en directo.

Ahora presentan su nuevo sencillo, “Quan m’inunden les pors”, el segundo adelanto de su próximo trabajo. Si en temas anteriores la tensión y el conflicto eran el motor, aquí la banda da un giro hacia la reconstrucción. No es una canción ingenua ni naïf: es el relato de alguien que ha atravesado la oscuridad y decide, conscientemente, quedarse en la luz.

Con una base de rock a 93 BPM en Do mayor, el tema respira amplitud y claridad, pero no esconde las cicatrices. La letra es explícita en la transformación: arrancarse “les còrnies desolades”, tirar la mirada antigua y clavarse unas nuevas. La imagen es casi violenta, pero necesaria. No se trata de olvidar el dolor, sino de cambiar la forma de mirarlo.

El verso “resisteixo a la línia de front” convierte el conflicto emocional en campo de batalla. Pero aquí la guerra no es contra el mundo, sino contra uno mismo: contra el miedo al fracaso, al rechazo, a volver a caer. Y es precisamente el amor —la presencia serena del otro— lo que actúa como punto de apoyo para reconstruir una identidad más fuerte.

La repetición de “poc a poc i pas a pas, ferm i amb convicció” no es solo un recurso lírico; es una declaración de intenciones. El crecimiento no es explosivo, es progresivo. No es épico, es real. Declivi firman así una de sus piezas más luminosas y maduras, donde la vulnerabilidad deja de ser debilidad para convertirse en fuerza.

Este segundo adelanto amplía el universo de “GUERRA ENDINS”, un disco que explora las batallas internas y las cicatrices, pero también la posibilidad real de sanarlas.

“GUERRA ENDINS” verá la luz el 14 de mayo.

L'entrada Declivi publica «Quan m’inundin les pors» ha aparegut primer a Guspira.net.

Tras varios trabajos publicados a lo largo de su carrera, Mistah Godeh ha ido consolidando un universo propio dentro de la escena Reggae y urbana estatal. Uno de los momentos clave llega con «Camaleón», álbum de 2021 que tuvo un gran impacto y que sirvió para reafirmar su identidad sonora, mostrando su capacidad de adaptarse a diferentes estilos sin perder esencia. Un año después, llegaría el EP “Player Z”, donde se incluyen algunos de sus temas más reconocidos como «Pipa y Placa», una colaboración con Accion Sanchez, Calero LDN y Fyahbwoy. Dentro de su trayectoria también destacan diversos «Cyphers» que acumulan millones de reproducciones, evidenciando su evolución artística.

Ahora presenta “Niebla”, un nuevo single que explora la dimensión más nostálgica del amor y la huella que dejan las relaciones intensas cuando se convierten en recuerdo. Con una base de reggae pausado (88 BPM en tonalidad de B menor), el tema construye una atmósfera íntima y emocional que acompaña un relato marcado por la memoria y la confusión sentimental.

“Niebla” describe a una persona atrapada en la nostalgia de un amor del pasado que vivió con mucha intensidad. A través de una narrativa cargada de recuerdos, la canción evoca una relación juvenil situada en la época de los años 2000, una etapa en la que las emociones se viven con especial intensidad y donde cada gesto, cada espera y cada momento compartido adquieren un significado profundo.

Mistah Godeh utiliza la metáfora de escalar una cima difícil para explicar la complejidad de esa relación: un vínculo al que siempre quiso volver a intentar llegar, incluso después de las caídas. El single mezcla romanticismo y melancolía, mostrando cómo una relación puede ser dulce y al mismo tiempo dolorosa, difícil de alcanzar y llena de intentos fallidos por mantenerla viva.

Entre recuerdos difusos y emociones que todavía permanecen, “Niebla” habla de la dificultad de dejar atrás el pasado y de cómo ciertos momentos siguen presentes mucho tiempo después de haber ocurrido.

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Después de proyectos anteriores que no habían acabado de cuajar, Declivi se convierte en el punto de encuentro definitivo: un espacio para canalizar inquietudes, rabias, contradicciones y también luz. Hacen rock con nervio y distorsión, pero no renuncian a la melodía ni a la ternura. Cantan en catalán porque es su lengua y su presente, y defienden que también es el futuro.

En poco tiempo, el grupo ha empezado a hacerse un lugar dentro de la escena emergente del territorio. Han contado con el apoyo de la Casa de la Música de Manresa, que les concedió una beca de grabación y les acompañó en la creación de un festival dedicado a bandas emergentes de la ciudad. Además, la banda también ganó el concurso Engresca’t de 2024, consolidando así los primeros pasos de un proyecto que no ha dejado de crecer desde que subió por primera vez a un escenario.

Ahora presentan “Fes-me miques”, el primer adelanto de su nuevo álbum “GUERRA ENDINS”. El sencillo cuenta con la colaboración de Still Ill, y traza un puente sólido entre el rock alternativo en catalán y la escena urbana crítica estatal.

La canción captura el momento preciso en el que sientes una conexión con alguien pero te encuentras frente a un muro invisible. Un muro hecho de miedo al rechazo, de expectativas proyectadas y de silencios que pesan. La historia pone el foco en una realidad que a menudo se intensifica en relaciones homosexuales dentro de espacios de ocio cis-heteronormativos, donde el deseo convive con la tensión de ser observado o descubierto.

La letra avanza entre la fantasía y la angustia, entre el “plan de por vida” y la condena interior. La repetición de “yo cuelgo de un hilo” acentúa la fragilidad emocional hasta que todo desemboca en un solo de guitarra catártico, donde la tensión acumulada estalla. Es la ruptura del muro. O, como mínimo, la primera grieta.

“Fes-me miques” abre la puerta al universo de “GUERRA ENDINS”, un disco que profundizará en los conflictos internos, los miedos colectivos y las batallas que se libran hacia dentro.

“GUERRA ENDINS” verá la luz el 14 de mayo.

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‘2C-B’ es el segundo single de la nueva identidad musical que MS OBAMA ha empezado a desarrollar: una más cruda y directa, más performativa y provocativa, con la que se atreve a mirar cara a cara a sus ángeles y a sus demonios.

La nueva etapa artística de MS OBAMA empieza a coger forma. Siguiendo la línea inaugurada con ‘Roller Coaster’, que nos adentra en un universo sonoro donde conviven lo visceral, lo oscuro, lo poderoso y lo divino, la artista valenciana entrega ahora una segunda pieza que consolida su nuevo rumbo musical: uno mucho más crudo, directo, performativo y provocativo.

‘2C-B’, su nuevo single, vuelve a poner encima de la mesa asuntos como el poder y la identidad, pero en esta ocasión enmarcándolos en el ambiente hedonista de la cultura clubber. Narrada desde una posición dominante, apropiándose de los códigos del deseo, del dinero y de la fama, es una sátira bastante oscura sobre cómo el placer, el consumo y la validación social se mezclan en el clubbing, estableciéndose una frontera muy difusa entre la autocosificación y el empoderamiento.

Según admite la propia autora, con ‘2C-B’ ha querido “llevar al extremo el imaginario del clubbing, del lujo y del exceso para mostrar lo grotesco y vacío que puede ser cuando el deseo se convierte en negocio”. Busca con ella poner en cuestión la auto mitificación de la cultura nocturna, llegando a funcionar como una especie de espejo incómodo en el que se refleja la perversión del capitalismo cuando se mezcla con el placer, la utilización de los cuerpos como producto y las relaciones como moneda de cambio.

Asumiendo un alter-ego exagerado, poderoso y sexualizado, MS OBAMA retrata en ‘2C-B’ el contraste entre la euforia y el vacío del ambiente clubber. El tono sensual y seguro de su voz se combina con la contundencia de su estructura musical, que bebe del club culture y, sobre todo, del rave. Todo el tema se articula entonces a través de una reforzada línea de bajo que permite a la voz desarrollar toda su energía agresiva sin necesidad de atacar, dando como resultado una bomba de apenas dos minutos que no sabes si ya ha estallado o está a punto de hacerlo. Como el artefacto industrial inflamable que es, ‘2C-B’ está lleno de tensión y aspereza, como las canciones de Die Antwoord, pero también de elegancia y de precisión, como el estilo de Azealia Banks. Luces y sombras, euforia y vacío. Es el nuevo camino de MS OBAMA, el que ha elegido para expresarse artísticamente y para mirar cara a cara a sus ángeles y a sus demonios. 

Tras formarse en el circuito underground de la ciudad condal, MS OBAMA ha ido consolidando una identidad sonora propia marcada por la intensidad física, la oscuridad magnética y una fuerte carga emocional.

Su trayectoria incluye la residencia en 2021 de la fiesta South Block en la sala Jamboree Dance Club, un punto de encuentro clave para artistas emergentes de la escena urbana barcelonesa – cantantes, bailarines, productores y colectivos multidisciplinares-. Reconocida por la potencia de sus directos, decidió registrar un live set de una hora en la emblemática Sala Apolo, reforzando así su perfil escénico.

En 2026 inicia una nueva etapa artística con un universo audiovisual renovado los singles «Roller Coaster» y «2C-B«.

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El disco habla del cambio, del miedo a caer, del peso emocional de no saber qué vendrá, pero también de la necesidad de imaginar nuevas vidas y mundos posibles. Abrazar el abismo como un acto de resistencia y de cuidado. “Vèrtic” —palabra de raíz valenciana— es esa pérdida de equilibrio que hace girar la realidad, y Sobre Mi Gata decide sostenerla a base de dub, steppa y bajos masivos, con su sello inconfundible: fiesta, conciencia y cuerpo en movimiento.

El álbum alterna la crítica política directa con canciones de amor frágiles y honestas. “Murs d’altaveus” es un grito para romper fronteras, prisiones y jaulas, cantando para que algún día caigan todos los muros —excepto los de los soundsystems. “Vaga General Apocalíptica” convoca la insurrección colectiva en un momento histórico en el que parece más fácil imaginar el fin del mundo que el del capitalismo.

Por otro lado, “Tot el que no sóc” y “Vèrtic” exploran el amor desde la pérdida, el cambio y el miedo: amar como un salto al vacío que puede ser doloroso, pero también sanador. “Dopamina” retrata la vida como una resaca constante, con la intuición de que, pese a todo, volver a levantarse es posible. “Fundación” mira con pesimismo la fusión entre humanos y tecnología, cantando a un futuro cada vez más alejado de lo que se puede sentir y tocar. “Medusa” reflexiona sobre la identidad como una piel cambiante, mutable y elegible. Y el disco se pregunta, sin una respuesta clara: quién decide los instantes imprevisibles, el amor, el rumbo de una noche.

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